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主持人问及“喝多了”这个关键词在她眼中的意义，她笑了，像把话语轻轻拂过指尖：“有时，醉意会让你看清楚自己真正害怕的那部分，舞蹈便是把这份害怕转化为语言的桥梁。”
她说，舞蹈的第一步并不是学会某个姿势，而是学会允许自己在镜子前“偶然的错位”.错位不是失败，而是通往自我表达的入口。她从年少时就知道：技术可以被他人评判，情感却只能由你自己识别和拥抱。于是她把训练的重点放在倾听身体的声音上——不是去强行塑形，而是让肌肉的记忆逐渐替她讲述某种情绪。
她从来不把舞蹈当成展示完美的比赛，而是把它视作一场自我对话，一次把隐蔽的心事说清的机会。
她回忆起初次与导师的对话：“如果你被要求做一个完美的姿势，那你就失去了自己。”于是她开始记录那些不完美的瞬间：脚步不稳、呼吸错位、重心拖拽的时间。她把这些片段收集起来，剪接成舞蹈的“短篇小说”。每一个细微的失误都成为跨越自我的台阶。随着时间推移，她逐渐发现，真正触动自己的，并不是某一个精准的技巧，而是那些由情感驱动、带着个人记忆的动作组合。
观众在屏幕前或剧场里看到的不再只是优雅的表演，而是一个真实的人在把心事摊开来讲述。
在这段自我探索的路上，酒精这个意象被她用作隐喻。她承认，很多时候“喝多了”的状态像是一种仪式——打破日常的防备，把平日里压抑的情感释放出来，进而让舞蹈成为情感的载体。她并非鼓励人们以醉态作为表演的常态，而是提醒自己：当放下伪装时，身体才会自然地“说话”。
这也是她对自我表达的核心理解：舞蹈不是去证明谁更强大，而是让谁愿意展露脆弱、让谁愿意把真实的情感放大到可以被他人理解的程度。
当她谈到“想兔”这个名字时，镜头前的她显得尤为温柔。她把想象中的兔子当作一个象征——敏捷、跳跃、但又需要保护的存在。兔子的耳朵时刻侦听着周围的声音，像她在舞台边缘时刻的心跳。她说，舞蹈的语言本就需要两点：一是对自身情感的敏感，二是对观众情感的尊重。
她渴望观众不是被震撼的肉眼享受，而是被带进一个内心世界的对话。她的身体像一部微型的记录片，把日常生活中微小的情绪波动做成可视的线条。于是，观众看到的不仅是技巧的展示，而是一个人如何在舞蹈中把生活的琐碎、欢乐、焦虑、希望逐步拼接成一个完整的自我。
她还谈到现代舞蹈教育中的挑战。如今，短视频和即时化的审美让很多年轻舞者更像是在追逐一个“完美片段”而非一段完整的情感旅程。她认为教育者应当给予更多空间，让学生在安全的环境里试错、聆听、修正。舞蹈并非只有出现在舞台上的那几分钟，背后的练习、呼吸控制、情绪管理、与同伴的默契，才是真正塑造一个可持续的舞者的关键。
她愿意把这份坚持传递给更多人——把“自我表达”的边界扩展到日常生活的每一个细小瞬间，让人们认识到，舞蹈的力量来自于敢于把内心放大、敢于让情感被看见。
Part1的尾声，采访者请她用一个画面来描述她此刻的心境。她没有“用力美化”的回答，而是轻轻抚过自己的手臂，像在抚摸一件贴身的皮革物品。她说：“我想兔现在在舞台上跳的不只是动作，而是一个信号：无论你来自哪里、经历了什么，身体始终愿意成为你与世界对话的工具。
”她的话语像灯光下的一抹暖色，温柔而坚定。她知道，真正的舞蹈教育不是把人变成某种模板，而是让每一个参与者都能在自己的皮肤里找到说话的权利。她也明白，未来的路在继续走。她的舞蹈将继续以自我表达为核心，以情感的真实为指引，让观众在她的动作里看见自己的影子。
她试图让这些记忆以节拍、呼吸和重量的变化被传递给观众。观众不是单纯的欣赏对象，而是参与者——他们在她的舞蹈中寻找与自己相合的情绪片段，找到属于自己的节奏。
她提到一个关键的练习方式：以“情感地图”来设计动作序列。先在纸上列出自己最想表达的情绪，如脆弱、勇敢、迷茫、希望，然后把这些情绪拆分成身体的表达元素：呼吸的深浅、关节的角度、重量的转移、肌肉的张力与放松的时序。接着用即兴的方式把这些要素拼接起来，记录每一次尝试的成功与失败。
通过反复练习，她学会把“情感地图”内生的张力转译成可观众理解的语言。在短视频风靡的时代，她并不排斥高效的传播，但坚信舞蹈的核心仍在于情感的深度与真实性，而不是炫技的速成。
她还谈到自我表达的包容性。舞蹈的门槛不仅在于身体的条件，更在于心态的开放。她鼓励不同背景、不同体态的人走进舞蹈课堂，因为每一种体型都能讲出独特的故事。她自己就是一个活生生的例子：起初的担忧、后来对身体的渐次信任、再到最终愿意把脆弱公之于众，这份成长不仅改变了她对舞蹈的理解，也重新定义了她与观众的关系。
她希望舞蹈不再是“舞者的专属语言”，而是与每一个愿意倾听的人共同演绎的对话。她把自己当作桥梁，连接着内心的世界与外部的现实，让舞蹈成为一种共同创造的经历。
在技术与情感之间，她坚持一个原则：技巧是通道，情感才是目的。她最近在创作一组新作品，核心不再追求“完美的线条”，而是追求“情感的连贯性”——观众在第一分钟就被带入一种基调，随着音乐推进，情感曲线不断上升，直到最后一个动作成为一个情感的落点。她描述这一路的探索像是在做一场隐形的对话：观众不需要语言，就能读懂她给予的每一个肢体暗示。
她也在寻找新的合作方式，与音乐家、视觉艺术家、舞台设计师共同打造更立体的艺术体验。她相信，舞蹈的自我表达不是孤立的，而是与其他艺术形式相互滋养的过程。
她谈到舞蹈教育的未来方向。她希望能建立一个更具包容性的训练体系，让更多人感到安全、被理解，愿意把自己的情绪带到练习中来。她说，真正的训练不是让身体变得更完美，而是让心态变得更真实。在这个过程中，良好的身体意识、呼吸管理、对情感的接纳与表达能力，是最重要的基石。
她愿意把自己的经验变成可被他人借鉴的工具——一本“情感练习手册”，一个系列公开课，甚至一个线上社区，让更多人过上真实而有温度的舞蹈生活。她希望未来的舞蹈教育，不再只追逐比赛的名次与曝光率，而是注重每个人内心世界的丰富和表达能力的提升。
当采访进入尾声时，桌上摆着一杯温热的茶，香气在安静的房间里缓缓扩散。她对未来的展望像茶叶在水中的缓慢展开：一步步开放，一点点清晰。她说，舞蹈需要的不是一夜之间的华丽，而是日复一日的坚持与自我对话。她愿意继续走在这条路上，用身体和情感去探究“自我表达”的多种可能性。
她相信，真正的艺术是把个人的火种点亮，让更多人从中得到温暖与勇气。她的愿景很简单也很坚定：让每一个走进舞蹈的人，都能找到自己的声音，让身体成为他们面对世界的诚实回应。
在这场关于舞蹈与自我表达的对话中，我们看见的不只是一个舞者的成长轨迹，更是一种对艺术本质的清晰追问：如果人生是一段舞蹈，那么自我表达就是那一连串不安而真实的姿态的编排。她的回答，一再指向同一个核心：舞蹈并非用来炫耀身姿，而是用来揭示内心的共鸣。
她的路也许还很长，但她已经在无声的训练中学会了如何把情感的重量托起来，让观众在每一次呼吸、每一次转身中，感知到自我的存在。未来的舞台还在等待，而她和她的“想兔”，会继续以最真诚、最勇敢的姿态，讲述属于自己的表达之旅。
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